AFFORDABLE ARTFAIR HAMBURG

Avant de se mettre au pinceau, Alexis « Bust » Stephens était danseur. Né à Paris en 1983 d’une mère française et d’un père jamaïcain, il s’est d’abord fait un nom en tant que danseur de hip-hop et de breakdance, sur les scènes et lors de jams à travers toute l’Europe. C'est à partir de cette pratique physique qu'il s'est orienté, en expérimentant différentes techniques picturales, vers la grande scène parisienne du street art et du graffiti, et qu'il a très tôt pris la décision de ne pas séparer la danse et la peinture, mais de les fusionner en un seul et même style artistique.C'est de cette époque que date son pseudonyme « Bust the Drip » – une fusion entre l'expression argotique de la danse « to bust a move » et les « drips », ces dégradés de couleurs caractéristiques de son style pictural. Au sein du collectif d’artistes Bang Crew, qui réunit des danseurs, des peintres ainsi que des créateurs dans les domaines de la vidéo, de la photographie et de la musique, il a développé de nombreux projets en France et à l’international – jusqu’à ce qu’il décide de se concentrer davantage sur la peinture et d’intégrer désormais la danse dans son œuvre sous forme de motif et de performance.La démarche artistique de Stephens s'articule autour du corps en tant que résultat d'ondes organisées : « Nous ne sommes pas composés de grand-chose, et pourtant tout vibre en nous. » Influencé par l’expressionnisme abstrait, le graffiti et la « grande geste », il allie dans son processus technique picturale et instinct : son tracé vivant suit des vagues et des fréquences, son coup de pinceau semble d’abord abstrait et déconcertant – jusqu’à ce que, au fur et à mesure que l’œuvre prend forme, ses protagonistes dansants se dessinent.Dans sa dernière série d’œuvres intitulée « Couples », Stephens met l’accent sur la danse à deux : mener et se laisser mener, domination et abandon, échange d’émotions et de tension, capturés à travers des corps dynamiques, en suspension ou en rotation. Le mouvement, le rythme et l’expression corporelle se fondent chez lui en un langage visuel gestuel et palpitant, plein d’intensité et de vie.Les œuvres de Stephens ont récemment fait l'objet d'une grande exposition personnelle au musée de Bietigheim-Bissingen ainsi qu'à l'Espace Saint-Pierre des Minimes, une église transformée en musée à Compiègne ; d'autres œuvres sont exposées au Musée olympique de Lausanne.

L’artiste français Sébastien Preschoux est connu pour ses dessins géométriques. Ses lignes et ses formes oscillantes semblent générées par ordinateur. La caractéristique décisive de son art est pourtant le travail manuel : Preschoux tient à réaliser chaque œuvre lui-même, sans machine.Le travail manuel comme postureAutodidacte, Preschoux vit et travaille à Paris. Il est inspiré par l’art optique et par les valeurs du Bauhaus, qui souligne l’importance fondamentale du travail manuel. Le voir à l’œuvre révèle une tension entre le calme avec lequel il porte ses lignes sur la surface, sans précipitation, et la précision de chaque geste. La règle et le compas donnent le rythme.La concentration comme méthode« Une ligne fausse, et tout recommence. » Ainsi Preschoux décrit-il sa manière de travailler. Elle exige un grand calme, de la concentration et de la focalisation. De cette posture naissent des compositions qui semblent flotter légèrement dans l’espace. Quiconque le voit travailler pense inévitablement au jardin zen japonais, le karesansui. Là aussi, l’effet naît de la réduction, du rythme et de la patience. Cette association est une interprétation que nous laissons au regard.Bois, encre et patiencePour ses peintures, Preschoux prépare lui-même le support en bois. Il le ponce plusieurs fois et applique plusieurs couches d’encre de Chine avant de tracer les contours à l’acrylique. Il en résulte un noir profond et absolu, sur lequel motifs et couleurs gagnent en éclat. Le passage d’une couleur à l’autre s’obtient par l’ajout progressif d’une petite proportion de la couleur suivante. Ce n’est qu’en s’approchant que l’on distingue les traces de la main humaine. Preschoux appelle cela « la récompense des curieux ».Des fils dans l’espaceOutre les dessins et les peintures, Preschoux réalise des installations de fils tendus. Pour Slinky, il crée en 2019, à l’initiative de Quai 36, une fresque dans les Jardins de l’Arche à La Défense, en dialogue avec une installation tridimensionnelle de fils. En 2022, il participe à l’exposition collective Adventices à La Manufacture, à Aix-en-Provence. Avec le mot d’ordre « l’homme contre la machine », il critique la domination de la technologie dans la culture contemporaine et met en avant la valeur du corps humain comme outil.Expositions chez Pretty PortalEn 2020, Sébastien Preschoux participe à l’exposition collective Curves and Corners aux côtés de Marc C. Woehr.

Né en Irlande en 1967, l’artiste Fin DAC s’est imposé dans l’art urbain avec un langage visuel qui s’affranchit délibérément des codes du street art. Ses œuvres associent des éléments de l’art contemporain à l’esthétique de la rue. Il qualifie cette démarche d’« Urban Aesthetics ».Aujourd’hui installé à Londres, Fin DAC est autodidacte. Privé d’accès aux galeries et aux musées, il ne trouve pas de voie d’entrée dans le monde de l’art et travaille d’abord comme dessinateur technique, graphiste et développeur web. Il a environ quarante ans lorsqu’il prend pour la première fois un pinceau. La peinture de portraits féminins devient pour lui une pratique méditative, un moyen de faire taire le « bavardage négatif » de l’esprit. Ses influences vont des estampes japonaises sur bois, du manga et des romans graphiques jusqu’à Aubrey Beardsley, dont une gravure a marqué son enfance.Femmes entre les mondesSes figures évoluent entre tradition et modernité : vêtements traditionnels et symboles rencontrent une sensibilité contemporaine. La fierté et la dignité traversent les portraits, tempérées par une pointe de malice qui remet en question les clichés. Le masque peint, porté par bon nombre de ses figures féminines, est une signature. Sa forme s’inspire de Pris, dans Blade Runner, et de la persona androgyne d’Annie Lennox sur scène. Les deux gouttes qui coulent du masque restent volontairement énigmatiques. Le petit point placé à hauteur du troisième œil représente l’artiste lui-même.Fresques dans les villes du monde entierSa formation de dessinateur technique, où il apprend la mise en page, la perspective et l’échelle, constitue la base de ses fresques de grand format. Au cours de la dernière décennie, il a transformé des espaces urbains gris aux quatre coins du monde en univers visuels éclatants. L’un de ses projets les plus personnels est A Quiet Moment of Contemplation (2020), une fresque réalisée pour le service des femmes en soins psychiatriques intensifs du St Charles Centre for Health and Wellbeing de Londres. L’œuvre traduit sa conviction du pouvoir apaisant de l’art.Expositions, foires et éditionsSa collaboration avec Pretty Portal débute en 2012 avec l’exposition STENCILS ONLY 2012. Depuis, neuf éditions limitées en sérigraphie ont été réalisées avec Fin DAC et publiées par Pretty Portal.En 2017, Pretty Portal présente ses œuvres sur son propre stand à l’Urvanity Art Fair de Madrid et à l’Urban Art Fair de Paris. En 2018, l’Urban Art Fair de Paris accueille à nouveau son travail, et en 2026, l’ARTMUC de Munich.En 2022, il participe à l’exposition collective Mixed Reality, en 2023 à Looks are deceiving.En 2024, il présente HomEage (Split Personalities), un hommage aux artistes, mouvements et moments culturels qui ont façonné son parcours. En 2025 suit Carte Blanche à Paris, une exploration du japonisme qui associe les estampes japonaises du XIXe siècle à la Belle Époque et au Fin de Siècle. Avec The Girls of Dactown (The GoDs), il étend son univers de figures dans l’espace : une dystopie peuplée d’assassines cyborgs, déclinée aujourd’hui en sculptures en bronze grandeur nature et en figurines en vinyle.« Je crée de l’art pour me rendre heureux. » – Fin DAC (traduit)

Des visages sans regard, des corps pris dans la grille d'une géométrie froide : SKIO peint l'anonymat de la ville moderne avec une précision chirurgicale. Dans ses compositions, des figures fragmentées se fondent dans une architecture stylisée, souvent d'une grande rigueur constructive — un dialogue subtil entre figuration chargée d'émotion et abstraction froide. Là où les yeux devraient être le miroir de l'âme, il laisse volontairement un vide : il invite à la projection et rend immédiatement palpable l'anonymat de l'homme urbain moderne.Ses tableaux reflètent une époque où le soi se dissout de plus en plus dans le système : l'uniformité que notre société impose à l'individu, tout comme les idéaux de beauté auxquels les femmes, en particulier, peuvent difficilement échapper. Certaines de ses figures semblent porter des casques de réalité virtuelle — une allusion à un monde où réalité et réalité virtuelle se confondent désormais. Fait notable : bien que chaque image soit entièrement peinte à la main, son esthétique évoque souvent des univers générés par intelligence artificielle — une ambiguïté avec laquelle SKIO joue délibérément.Sur le plan stylistique, SKIO marie l'esprit du Bauhaus au surréalisme : il recherche l'équilibre entre complexité et minimalisme, entre douceur et structure, donnant à ses portraits une allure presque sculpturale. Son exposition « Mensch & Form » (Humain & Forme) chez Pretty Portal a été, à ce jour, la synthèse la plus aboutie de ce langage visuel — une réflexion silencieuse et poétique sur la condition humaine contemporaine, entre retrait et visibilité, structure et fragilité.SKIO, de son vrai nom Nicolas Scauri, est né en 1980 à Nice et vit aujourd'hui à Paris. Il a étudié le design graphique à Manchester ainsi que le design industriel à l'Institut Européen de Design de Toulon. Il peint ses premières fresques murales dès 1993 dans la région niçoise ; après une phase d'expérimentation avec la typographie et le graffiti, il trouve — à travers des influences pop et télévisuelles — son langage visuel actuel, figuratif et architectural. Ses œuvres ont été présentées lors d'expositions et de festivals à Paris, Londres, Mexico et Shanghai ; ces dernières années, SKIO s'est progressivement imposé auprès des collectionneurs internationaux d'art urbain.