CASE (Andreas von Chrzanowski) — „untitled" | Septembre 2013

Le travail d’EPOD est une fusion entre le graffiti, l’art conceptuel et les beaux-arts – trois influences qui se marient dans ses œuvres avec une telle originalité que son style est reconnaissable au premier coup d’œil. Né en 1977 et ayant grandi dans un ensemble de tours à la périphérie de Londres, il a débuté son parcours artistique en tant que graffeur sous le nom de « DOPE ». C’est ainsi qu’est né le pseudonyme .EPOD – une évolution vers un langage visuel plus nuancé et stylisé, affûté par sa formation en dessin technique et en stylisme, ce qui se traduit encore aujourd’hui par des lignes précises et structurées qui côtoient des textures de spray plus décontractées. Sur le plan artistique, .EPOD associe notre vision de l’avenir au vintage, la mode à la technologie, la réalité à la distanciation. Son langage visuel puise dans la culture visuelle de sa jeunesse – le hip-hop, les films de science-fiction rétro et les pages lisses et brillantes du Vogue des années 1970 – et rencontre les jeux de lumière dramatiques des grands maîtres : le clair-obscur du Caravage, la profondeur psychologique de Rembrandt. De cette alliance naissent des figures éthérées, des textures industrielles et une palette de couleurs digne du cinéma, qui fusionne la maîtrise ancienne avec un design futuriste.La fresque murale de Düsseldorf présente précisément cette signature : un personnage de profil dont la peau, d’un bleu-violet froid, irise d’orange et de jaune flamboyants – une peinture de portrait classique, rompue par les formes anguleuses et triangulaires au-dessus de la tête, qui évoquent une voile ou une lame futuriste. Le bord déchiré du champ pictural, comme s’il s’agissait de papier, fait sortir le portrait d’un deuxième plan imaginaire – une référence à l’intérêt de .EPOD pour la distanciation et la rupture entre les niveaux de réalité.L’œuvre a été réalisée en 2024 à Düsseldorf dans le cadre du projet « Kultur meets Euro ».

La pratique artistique de FinDAC s’est développée pendant plus d’une décennie au cœur d’un dialogue avec l’espace public et les galeries. À la croisée de l’art urbain, du portrait et du graphisme, il a créé un langage visuel unique qui allie l’esthétique urbaine contemporaine à des références à l’histoire de l’art – un processus de maturation continu qui se poursuit encore aujourd’hui. Exposée à l’international dans des galeries, des musées et lors de grands festivals d’art, son œuvre est réputée pour sa synthèse magistrale des traditions picturales orientales et occidentales. Au cœur de celle-ci se trouvent des figures féminines fortes, sûres d’elles et modernes : des portraits picturaux d’une grande présence, qui entremêlent précision graphique et symbolisme culturel complexe. Cette alliance entre sensibilité picturale et clarté graphique rend son langage visuel à la fois unique et universellement compréhensible. Les figures féminines de FinDAC incarnent la souveraineté et l’autodétermination au sein d’une culture visuelle en constante évolution – une force qui puise dans l’héritage culturel tout en s’inscrivant résolument et indéniablement dans la modernité du présent. Ses peintures murales sont désormais présentes dans le monde entier.Les peintures en forme de masque autour des yeux de ses protagonistes sont caractéristiques du travail de FinDAC – un motif récurrent que l'on retrouve également à Düsseldorf. Elles font à la fois référence au personnage de Pris dans « Blade Runner » et au maquillage emblématique de la chanteuse pop Annie Lennox des années 1980. Un petit point sur le front, le « troisième œil », symbolise l’artiste lui-même et son parcours spirituel. FinDAC garde délibérément secrète la signification exacte des masques et des gouttes de peinture qui coulent – un moment d’énigme qui entoure chacun de ses portraits. Peinte en grisaille, seulement rehaussée par le vert éclatant du masque, la fresque représente une femme dans une posture calme et concentrée – la main sur le menton, le regard direct et assuré tourné vers les spectateurs. Le modèle de « Rasimin » vit à Düsseldorf, ce qui confère à ce portrait grand format un lien direct avec la ville et ses habitantes.L’œuvre a été réalisée en 2023 dans la Neusser Straße à Düsseldorf.

Alexis « Bust » Stephens, né à Paris en 1983, vient du monde de la danse – hip-hop et breakdance –, qu’il a pratiquée dans toute l’Europe lors de battles et de jams. Parallèlement, c’est par le graffiti qu’il s’est tourné vers la peinture et qu’il a très tôt noué des liens avec la grande scène parisienne du street art et du graffiti. C’est à partir de cette pratique du mouvement qu’il a développé sa peinture – non pas comme une illustration de la danse, mais comme sa traduction picturale. Son surnom « Bust » fait référence à l’expression argotique « to bust a move » – l’essence même de son lien entre mouvement et peinture résumée en un mot. La démarche artistique de Stephens s’articule autour du corps en tant que résultat d’ondes organisées – « Nous ne sommes pas grand-chose, et pourtant tout vibre en nous. » Influencé par l’expressionnisme abstrait et la « grande geste », il traduit le mouvement et l’énergie, par instinct, en lignes et en traits. Les gestes semblent d’abord abstraits, presque déconcertants – ce n’est qu’au fur et à mesure de leur condensation que ses protagonistes dansants se cristallisent. « Homo Motus » – l’homme en mouvement – montre précisément ce moment de condensation : une silhouette entre le saut et l’atterrissage, entre le contrôle et la dissolution. Les lignes esquissées, qui semblent parfois inachevées, autour des bras et des jambes ne sont pas le fruit du hasard, mais un choix délibéré : elles fixent le mouvement dans l’image, au lieu de le laisser se figer en une représentation immobile.L'œuvre a été réalisée en 2024 à Düsseldorf dans le cadre du projet « Kultur meets Euro ». L'association faite par Stephens entre le mouvement, le sport et la peinture a été saluée à l'échelle internationale : des œuvres consacrées aux nouvelles disciplines olympiques pour Paris 2024 font aujourd'hui partie de la collection du Musée olympique de Lausanne, et l'artiste a également bénéficié d'une exposition personnelle au musée de Bietigheim-Bissingen.