.EPOD — „Hedwork" | 18. Juin, 2024

Andreas von Chrzanowski, plus connu sous le nom de CASE, est né en 1979 à Schmalkalden et vit aujourd'hui à Francfort-sur-le-Main. Ses racines artistiques remontent à la scène du graffiti est-allemande, où il travaille à la bombe depuis 1995. En 2000, il a fondé avec trois autres graffeurs le groupe MA'CLAIM – l'un des groupes pionniers du graffiti photoréaliste, considéré encore aujourd'hui comme une référence stylistique à l'échelle internationale. Sa formation de peintre ainsi que ses études en restauration ont affiné sa précision technique et s'intègrent visiblement dans son langage visuel.La marque de fabrique de CASE réside dans la représentation photoréaliste, souvent monumentale, de mains et de parties du corps – un motif qui lui a valu une reconnaissance mondiale. Dans l’histoire de l’art, les mains sont considérées comme l’un des motifs les plus expressifs, mais aussi les plus exigeants sur le plan technique, et CASE parvient à en capturer l’émotion et le dynamisme avec une précision extraordinaire. Pour autant, il ne s’agit jamais pour lui d’une simple reproduction anatomique : il sort les parties du corps de leur contexte habituel, les dénature et les exagère, confronte les conceptions classiques de la beauté à des images controversées, presque grotesques – et crée ainsi une présence qui lui est propre, à la fois troublante et fascinante.Au cœur de son œuvre se trouve l’idée des mains qui se superposent, symbole de mouvement, de lien et – comme au port de Reisholz – de contradiction intérieure. Chez CASE, ce mouvement ne désigne jamais uniquement le geste physique, mais toujours aussi la dimension politique et sociale : les gestes parlent un langage qui ne nécessite aucune traduction ; souvent, un mouvement de la main en dit plus long que mille mots. À Düsseldorf, il met systématiquement en œuvre cette technique de superposition pour former un message unique, mais divisé en lui-même : Il peint chacune des deux mains deux fois – une fois en poing serré, une fois en signe de paix formé par l’index et le majeur – et superpose les deux poses de manière semi-transparente, de sorte que le poing et le signe de paix restent visibles simultanément, entrelacés, sans qu’aucun des deux gestes ne disparaisse jamais complètement ni ne l’emporte sur l’autre. L’agressivité et la paix, la résistance et la réconciliation n’existent ainsi pas l’une après l’autre, mais au même instant, dans la même main – une illustration de la proximité de ces attitudes et de la manière dont chaque geste, chaque position politique porte toujours en soi son contraire. Ce n’est qu’au niveau du bout des doigts que l’anatomie photoréaliste rigoureuse se brise : dans des tons verts et rouges éclatants, comme un second plan d’image numérique superposé à la peinture classique, la tension de cet instant est ainsi rendue encore plus visible.Cette fresque a été réalisée en 2013 à Düsseldorf dans le cadre du premier festival d’art urbain 40Grad.

La pratique artistique de FinDAC s’est développée pendant plus d’une décennie au cœur d’un dialogue avec l’espace public et les galeries. À la croisée de l’art urbain, du portrait et du graphisme, il a créé un langage visuel unique qui allie l’esthétique urbaine contemporaine à des références à l’histoire de l’art – un processus de maturation continu qui se poursuit encore aujourd’hui. Exposée à l’international dans des galeries, des musées et lors de grands festivals d’art, son œuvre est réputée pour sa synthèse magistrale des traditions picturales orientales et occidentales. Au cœur de celle-ci se trouvent des figures féminines fortes, sûres d’elles et modernes : des portraits picturaux d’une grande présence, qui entremêlent précision graphique et symbolisme culturel complexe. Cette alliance entre sensibilité picturale et clarté graphique rend son langage visuel à la fois unique et universellement compréhensible. Les figures féminines de FinDAC incarnent la souveraineté et l’autodétermination au sein d’une culture visuelle en constante évolution – une force qui puise dans l’héritage culturel tout en s’inscrivant résolument et indéniablement dans la modernité du présent. Ses peintures murales sont désormais présentes dans le monde entier.Les peintures en forme de masque autour des yeux de ses protagonistes sont caractéristiques du travail de FinDAC – un motif récurrent que l'on retrouve également à Düsseldorf. Elles font à la fois référence au personnage de Pris dans « Blade Runner » et au maquillage emblématique de la chanteuse pop Annie Lennox des années 1980. Un petit point sur le front, le « troisième œil », symbolise l’artiste lui-même et son parcours spirituel. FinDAC garde délibérément secrète la signification exacte des masques et des gouttes de peinture qui coulent – un moment d’énigme qui entoure chacun de ses portraits. Peinte en grisaille, seulement rehaussée par le vert éclatant du masque, la fresque représente une femme dans une posture calme et concentrée – la main sur le menton, le regard direct et assuré tourné vers les spectateurs. Le modèle de « Rasimin » vit à Düsseldorf, ce qui confère à ce portrait grand format un lien direct avec la ville et ses habitantes.L’œuvre a été réalisée en 2023 dans la Neusser Straße à Düsseldorf.

Alexis « Bust » Stephens, né à Paris en 1983, vient du monde de la danse – hip-hop et breakdance –, qu’il a pratiquée dans toute l’Europe lors de battles et de jams. Parallèlement, c’est par le graffiti qu’il s’est tourné vers la peinture et qu’il a très tôt noué des liens avec la grande scène parisienne du street art et du graffiti. C’est à partir de cette pratique du mouvement qu’il a développé sa peinture – non pas comme une illustration de la danse, mais comme sa traduction picturale. Son surnom « Bust » fait référence à l’expression argotique « to bust a move » – l’essence même de son lien entre mouvement et peinture résumée en un mot. La démarche artistique de Stephens s’articule autour du corps en tant que résultat d’ondes organisées – « Nous ne sommes pas grand-chose, et pourtant tout vibre en nous. » Influencé par l’expressionnisme abstrait et la « grande geste », il traduit le mouvement et l’énergie, par instinct, en lignes et en traits. Les gestes semblent d’abord abstraits, presque déconcertants – ce n’est qu’au fur et à mesure de leur condensation que ses protagonistes dansants se cristallisent. « Homo Motus » – l’homme en mouvement – montre précisément ce moment de condensation : une silhouette entre le saut et l’atterrissage, entre le contrôle et la dissolution. Les lignes esquissées, qui semblent parfois inachevées, autour des bras et des jambes ne sont pas le fruit du hasard, mais un choix délibéré : elles fixent le mouvement dans l’image, au lieu de le laisser se figer en une représentation immobile.L'œuvre a été réalisée en 2024 à Düsseldorf dans le cadre du projet « Kultur meets Euro ». L'association faite par Stephens entre le mouvement, le sport et la peinture a été saluée à l'échelle internationale : des œuvres consacrées aux nouvelles disciplines olympiques pour Paris 2024 font aujourd'hui partie de la collection du Musée olympique de Lausanne, et l'artiste a également bénéficié d'une exposition personnelle au musée de Bietigheim-Bissingen.