FinDAC — „Rasimin" | 5. Octobre, 2023

Andreas von Chrzanowski, plus connu sous le nom de CASE, est né en 1979 à Schmalkalden et vit aujourd'hui à Francfort-sur-le-Main. Ses racines artistiques remontent à la scène du graffiti est-allemande, où il travaille à la bombe depuis 1995. En 2000, il a fondé avec trois autres graffeurs le groupe MA'CLAIM – l'un des groupes pionniers du graffiti photoréaliste, considéré encore aujourd'hui comme une référence stylistique à l'échelle internationale. Sa formation de peintre ainsi que ses études en restauration ont affiné sa précision technique et s'intègrent visiblement dans son langage visuel.La marque de fabrique de CASE réside dans la représentation photoréaliste, souvent monumentale, de mains et de parties du corps – un motif qui lui a valu une reconnaissance mondiale. Dans l’histoire de l’art, les mains sont considérées comme l’un des motifs les plus expressifs, mais aussi les plus exigeants sur le plan technique, et CASE parvient à en capturer l’émotion et le dynamisme avec une précision extraordinaire. Pour autant, il ne s’agit jamais pour lui d’une simple reproduction anatomique : il sort les parties du corps de leur contexte habituel, les dénature et les exagère, confronte les conceptions classiques de la beauté à des images controversées, presque grotesques – et crée ainsi une présence qui lui est propre, à la fois troublante et fascinante.Au cœur de son œuvre se trouve l’idée des mains qui se superposent, symbole de mouvement, de lien et – comme au port de Reisholz – de contradiction intérieure. Chez CASE, ce mouvement ne désigne jamais uniquement le geste physique, mais toujours aussi la dimension politique et sociale : les gestes parlent un langage qui ne nécessite aucune traduction ; souvent, un mouvement de la main en dit plus long que mille mots. À Düsseldorf, il met systématiquement en œuvre cette technique de superposition pour former un message unique, mais divisé en lui-même : Il peint chacune des deux mains deux fois – une fois en poing serré, une fois en signe de paix formé par l’index et le majeur – et superpose les deux poses de manière semi-transparente, de sorte que le poing et le signe de paix restent visibles simultanément, entrelacés, sans qu’aucun des deux gestes ne disparaisse jamais complètement ni ne l’emporte sur l’autre. L’agressivité et la paix, la résistance et la réconciliation n’existent ainsi pas l’une après l’autre, mais au même instant, dans la même main – une illustration de la proximité de ces attitudes et de la manière dont chaque geste, chaque position politique porte toujours en soi son contraire. Ce n’est qu’au niveau du bout des doigts que l’anatomie photoréaliste rigoureuse se brise : dans des tons verts et rouges éclatants, comme un second plan d’image numérique superposé à la peinture classique, la tension de cet instant est ainsi rendue encore plus visible.Cette fresque a été réalisée en 2013 à Düsseldorf dans le cadre du premier festival d’art urbain 40Grad.

Le travail d’EPOD est une fusion entre le graffiti, l’art conceptuel et les beaux-arts – trois influences qui se marient dans ses œuvres avec une telle originalité que son style est reconnaissable au premier coup d’œil. Né en 1977 et ayant grandi dans un ensemble de tours à la périphérie de Londres, il a débuté son parcours artistique en tant que graffeur sous le nom de « DOPE ». C’est ainsi qu’est né le pseudonyme .EPOD – une évolution vers un langage visuel plus nuancé et stylisé, affûté par sa formation en dessin technique et en stylisme, ce qui se traduit encore aujourd’hui par des lignes précises et structurées qui côtoient des textures de spray plus décontractées. Sur le plan artistique, .EPOD associe notre vision de l’avenir au vintage, la mode à la technologie, la réalité à la distanciation. Son langage visuel puise dans la culture visuelle de sa jeunesse – le hip-hop, les films de science-fiction rétro et les pages lisses et brillantes du Vogue des années 1970 – et rencontre les jeux de lumière dramatiques des grands maîtres : le clair-obscur du Caravage, la profondeur psychologique de Rembrandt. De cette alliance naissent des figures éthérées, des textures industrielles et une palette de couleurs digne du cinéma, qui fusionne la maîtrise ancienne avec un design futuriste.La fresque murale de Düsseldorf présente précisément cette signature : un personnage de profil dont la peau, d’un bleu-violet froid, irise d’orange et de jaune flamboyants – une peinture de portrait classique, rompue par les formes anguleuses et triangulaires au-dessus de la tête, qui évoquent une voile ou une lame futuriste. Le bord déchiré du champ pictural, comme s’il s’agissait de papier, fait sortir le portrait d’un deuxième plan imaginaire – une référence à l’intérêt de .EPOD pour la distanciation et la rupture entre les niveaux de réalité.L’œuvre a été réalisée en 2024 à Düsseldorf dans le cadre du projet « Kultur meets Euro ».

Alexis « Bust » Stephens, né à Paris en 1983, vient du monde de la danse – hip-hop et breakdance –, qu’il a pratiquée dans toute l’Europe lors de battles et de jams. Parallèlement, c’est par le graffiti qu’il s’est tourné vers la peinture et qu’il a très tôt noué des liens avec la grande scène parisienne du street art et du graffiti. C’est à partir de cette pratique du mouvement qu’il a développé sa peinture – non pas comme une illustration de la danse, mais comme sa traduction picturale. Son surnom « Bust » fait référence à l’expression argotique « to bust a move » – l’essence même de son lien entre mouvement et peinture résumée en un mot. La démarche artistique de Stephens s’articule autour du corps en tant que résultat d’ondes organisées – « Nous ne sommes pas grand-chose, et pourtant tout vibre en nous. » Influencé par l’expressionnisme abstrait et la « grande geste », il traduit le mouvement et l’énergie, par instinct, en lignes et en traits. Les gestes semblent d’abord abstraits, presque déconcertants – ce n’est qu’au fur et à mesure de leur condensation que ses protagonistes dansants se cristallisent. « Homo Motus » – l’homme en mouvement – montre précisément ce moment de condensation : une silhouette entre le saut et l’atterrissage, entre le contrôle et la dissolution. Les lignes esquissées, qui semblent parfois inachevées, autour des bras et des jambes ne sont pas le fruit du hasard, mais un choix délibéré : elles fixent le mouvement dans l’image, au lieu de le laisser se figer en une représentation immobile.L'œuvre a été réalisée en 2024 à Düsseldorf dans le cadre du projet « Kultur meets Euro ». L'association faite par Stephens entre le mouvement, le sport et la peinture a été saluée à l'échelle internationale : des œuvres consacrées aux nouvelles disciplines olympiques pour Paris 2024 font aujourd'hui partie de la collection du Musée olympique de Lausanne, et l'artiste a également bénéficié d'une exposition personnelle au musée de Bietigheim-Bissingen.