ARTMUC

Bevor er zum Pinsel griff, tanzte Alexis „Bust" Stephens. 1983 in Paris geboren, als Sohn einer Französin und eines Jamaikaners, machte er sich zunächst als HipHop- und Breakdance-Tänzer einen Namen – europaweit auf Bühnen und bei Jams. Aus dieser körperlichen Praxis heraus fand er über das Experimentieren mit Maltechniken zur großen Pariser Streetart- und Graffiti-Szene, und traf schon früh die Entscheidung, Tanz und Malerei nicht getrennt zu leben, sondern in einem einzigen künstlerischen Stil zu verschmelzen.Aus dieser Zeit stammt sein Alias „Bust the Drip" – eine Verschmelzung aus dem Tanz-Slang „to bust a move" und den „Drips", den charakteristischen Farbverläufen seiner Malweise. Im Künstlerkollektiv Bang Crew, das Tänzer, Maler sowie Video-, Foto- und Musikschaffende vereint, entwickelte er umfangreiche Projekte in Frankreich und international – bis er sich entschied, sich stärker auf die Malerei zu konzentrieren und den Tanz fortan als Motiv und Performance in sein Werk zu integrieren.Stephens' künstlerische Idee kreist um den Körper als Resultat organisierter Wellen – „Wir bestehen nicht aus viel, und doch pulsiert alles in uns." Beeinflusst von abstraktem Expressionismus, Graffiti und der „grande geste" verbindet er in seinem Prozess Maltechnik und Instinkt: Seine lebendige Linienführung folgt Wellen und Frequenzen, sein Pinselstrich wirkt zunächst abstrakt und irritierend – bis sich daraus, im Fortschreiten des Bildes, seine tanzenden Protagonisten herauskristallisieren.In seiner jüngsten Werkserie „Couples" rückt Stephens den Tanz zu zweit in den Fokus: Führen und Geführtwerden, Dominanz und Hingabe, ein Austausch von Emotion und Spannung, festgehalten in dynamischen, schwebenden oder rotierenden Körpern. Bewegung, Rhythmus und körperlicher Ausdruck werden bei ihm zu einer gestischen, pulsierenden Bildsprache voller Intensität und Leben.Stephens' Werke waren zuletzt in einer großen Einzelausstellung im Museum Bietigheim-Bissingen sowie im Espace Saint-Pierre des Minimes, einer zum Museum umgebauten Kirche in Compiègne, zu sehen; weitere Arbeiten hängen im Olympic Museum in Lausanne.

Der 1967 in Irland geborene Künstler Fin DAC hat sich mit einer Bildsprache, die die Konventionen der Street Art bewusst hinter sich lässt, in der Urban Art einen eigenen Platz erarbeitet. Seine Werke verbinden Elemente der zeitgenössischen Kunst mit der Ästhetik der Straße. Er selbst nennt diesen Ansatz „Urban Aesthetics“.Heute in London ansässig, ist Fin DAC Autodidakt. Ohne Zugang zu Galerien oder Museen fand er lange keinen Weg in die Kunst und arbeitete zunächst als technischer Zeichner, Grafikdesigner und Webentwickler. Erst mit rund vierzig Jahren griff er zum Pinsel. Das Malen weiblicher Porträts wurde für ihn zu einer meditativen Praxis, mit der sich das ständige innere Geplapper zum Schweigen bringen lässt. Seine Einflüsse reichen von japanischen Holzschnitten, Manga und Graphic Novels bis zu Aubrey Beardsley, dessen Druck ihn schon als Kind prägte.Frauen zwischen den WeltenSeine Figuren bewegen sich zwischen Tradition und Gegenwart: Traditionelle Kleidung und Symbolik treffen auf moderne Sensibilität. Stolz und Würde ziehen sich durch die Porträts, ergänzt durch einen spielerischen Zug, der Klischees hinterfragt. Charakteristisch ist die bemalte Maske, die viele seiner Frauenfiguren trägt. Ihre Gestalt ist von Pris aus Blade Runner und der androgynen Bühnenpersona von Annie Lennox inspiriert. Die beiden Tropfen, die von ihr herabfallen, bleiben bewusst rätselhaft. Der kleine Punkt auf Höhe des dritten Auges steht für den Künstler selbst.Wandbilder in Städten weltweitSeine Zeit als technischer Zeichner, in der er Layout, Perspektive und Maßstab lernte, bildet die Grundlage seiner großformatigen Wandbilder. In den vergangenen zehn Jahren hat er graue Stadträume auf der ganzen Welt in farbige Bildwelten verwandelt. Eines seiner persönlichsten Projekte ist „A Quiet Moment of Contemplation“ (2020), ein Wandbild für die Station für Frauen in der psychiatrischen Intensivpflege im St Charles Centre in London. Die Arbeit steht für seinen Glauben an die heilende Kraft der Kunst.Ausstellungen, Messen und EditionenSeine Zusammenarbeit mit Pretty Portal begann 2012 mit der Ausstellung „STENCILS ONLY 2012“. Seitdem sind neun limitierte Siebdrucke entstanden, die gemeinsam mit Fin DAC produziert und von Pretty Portal herausgegeben wurden.Pretty Portal zeigte seine Werke 2017 auf dem eigenen Messestand auf der Urvanity Art Fair in Madrid und auf der Urban Art Fair in Paris. 2018 folgte die Urban Art Fair in Paris, 2026 die ARTMUC in München.2022 war er in der Gruppenausstellung „Mixed Reality“ vertreten, 2023 in „Looks are deceiving“.2024 zeigte er „HomEage (Split Personalities)“, eine Hommage an Künstler, Bewegungen und kulturelle Momente, die seinen Weg geprägt haben. 2025 folgte „Carte Blanche“ in Paris, eine Auseinandersetzung mit dem Japonisme, die japanische Holzschnitte mit Belle Époque und Fin de Siècle verbindet. Mit „The Girls of Dactown (The GoDs)“ erweitert er seine Figurenwelt in den Raum: Eine dystopische Welt cyborgartiger Attentäterinnen existiert inzwischen als lebensgroße Bronzeskulpturen und Vinylfiguren.„Ich male Kunst, um mich selbst glücklich zu machen.“ – Fin DAC (übersetzt aus dem Englischen)

Guy Denning wurde 1965 in North Somerset geboren. Bereits in seiner Kindheit war er von bildender Kunst besessen und malte mit elf Jahren seine ersten Ölbilder, inspiriert von alten, verstaubten Gemälden, die ihm ein Verwandter schenkte. In den 1980er-Jahren stieß er bei seinen Bewerbungen für ein Studium der freien Künste auf Ablehnung, was ihn nicht von seiner Leidenschaft abbrachte. Er studierte Kunstgeschichte, setzte seine Malerei fort und lernte Maltechniken von verschiedenen älteren Künstlern aus dem Westen Englands. 1992 stellte er in ganz Großbritannien aus, 2007 folgten Ausstellungen in den USA, Deutschland, Italien und Frankreich. Seine Werke wurden in zahlreichen Einzel- und Sammelausstellungen gezeigt und sind Bestandteil verschiedener öffentlicher Sammlungen, u. a. der politikwissenschaftlichen Fakultät der Bristol University, der politikwissenschaftlichen Fakultät der Galway University und dem MAGI'900 Museum of Contemporary Art in Bologna.Dennings Werke kombinieren eine traditionelle Malweise mit einem zeitgenössischen, vom Punk inspirierten, als Collage eingefügten und schablonierten Text. Seine Bildsprache und Ästhetik, vermischt mit der politischen Erzählung, die sich durch sein Werk zieht, verschafften Denning ein loyales Publikum unter Kunstsammlern und Urban-Art-Liebhabern.„Urban Art ist kein neues Phänomen. Menschen haben ihre Anwesenheit, ihren Humor, ihre Ängste und ihren Ärger in den Straßen kundgetan, seit es Straßen gibt, auf denen sie auch gesehen werden können. Es ist die demokratischste Form der Kunst – ein Medium, das jedem zugänglich ist, der das Bedürfnis verspürt, sich dessen zu bedienen. Mit der wachsenden Anerkennung der Graffiti-Kultur im 20. Jahrhundert verlagerte sich der Schauplatz von der Straße in moderne Galerien. Ja, Mode ändert sich, aber denk bloß nicht, dass Graffiti verschwinden wird. Diese besondere Schrift war schon immer auf der Wand." – Guy Denning

Gesichter ohne Blick, Körper im Raster kühler Geometrie: SKIO malt die Anonymität der modernen Stadt mit chirurgischer Präzision. In seinen Kompositionen verschmelzen fragmentierte Figuren mit stilisierter, oft streng gebauter Architektur – ein feinsinniger Dialog zwischen emotional aufgeladener Figuration und kühler Abstraktion. Wo die Augen als Spiegel der Seele stehen sollten, lässt er bewusst eine Leerstelle: Sie lädt zur Projektion ein und macht die Anonymität des modernen Stadtmenschen unmittelbar spürbar.Seine Bilder reflektieren eine Gegenwart, in der sich das Selbst zunehmend im System auflöst: die Gleichförmigkeit, die unsere Gesellschaft dem Individuum auferlegt, ebenso wie Schönheitsideale, denen sich vor allem Frauen kaum entziehen können. Manche seiner Figuren scheinen VR-Brillen zu tragen – ein Verweis auf eine Welt, in der Realität und virtuelle Realität längst ineinanderfließen. Bemerkenswert dabei: Obwohl jedes Bild vollständig von Hand gemalt ist, erinnert die Ästhetik oft an KI-generierte Bildwelten – eine Doppeldeutigkeit, mit der SKIO bewusst spielt.Stilistisch verbindet SKIO den Geist des Bauhauses mit dem Surrealismus: Er sucht die Balance zwischen Komplexität und Minimalismus, zwischen Sanftheit und Struktur, und lässt seine Porträts dabei fast skulptural wirken. Seine Ausstellung „Mensch & Form" bei Pretty Portal war bislang die konsequenteste Verdichtung dieser Bildsprache – eine stille, poetische Auseinandersetzung mit modernem Menschsein zwischen Rückzug und Sichtbarkeit, Struktur und Zerbrechlichkeit.SKIO, bürgerlich Nicolas Scauri, wurde 1980 in Nizza geboren und lebt heute in Paris. Er studierte Grafikdesign in Manchester sowie Industriedesign am Institut Européen de Design in Toulon. Seine ersten Wandbilder malte er 1993 in der Region Nizza; nach einer Phase des Experimentierens mit Typografie und Graffiti fand er über pop- und fernsehkulturelle Einflüsse zu seiner heutigen, figurativ-architektonischen Bildsprache. Seine Werke waren auf Ausstellungen und Festivals in Paris, London, Mexiko-Stadt und Shanghai zu sehen; in den letzten Jahren ist SKIO zunehmend in den Fokus internationaler Urban-Art-Sammler gerückt.