THE PRETTY WALL SHOW

Bevor er zum Pinsel griff, tanzte Alexis „Bust" Stephens. 1983 in Paris geboren, als Sohn einer Französin und eines Jamaikaners, machte er sich zunächst als HipHop- und Breakdance-Tänzer einen Namen – europaweit auf Bühnen und bei Jams. Aus dieser körperlichen Praxis heraus fand er über das Experimentieren mit Maltechniken zur großen Pariser Streetart- und Graffiti-Szene, und traf schon früh die Entscheidung, Tanz und Malerei nicht getrennt zu leben, sondern in einem einzigen künstlerischen Stil zu verschmelzen.Aus dieser Zeit stammt sein Alias „Bust the Drip" – eine Verschmelzung aus dem Tanz-Slang „to bust a move" und den „Drips", den charakteristischen Farbverläufen seiner Malweise. Im Künstlerkollektiv Bang Crew, das Tänzer, Maler sowie Video-, Foto- und Musikschaffende vereint, entwickelte er umfangreiche Projekte in Frankreich und international – bis er sich entschied, sich stärker auf die Malerei zu konzentrieren und den Tanz fortan als Motiv und Performance in sein Werk zu integrieren.Stephens' künstlerische Idee kreist um den Körper als Resultat organisierter Wellen – „Wir bestehen nicht aus viel, und doch pulsiert alles in uns." Beeinflusst von abstraktem Expressionismus, Graffiti und der „grande geste" verbindet er in seinem Prozess Maltechnik und Instinkt: Seine lebendige Linienführung folgt Wellen und Frequenzen, sein Pinselstrich wirkt zunächst abstrakt und irritierend – bis sich daraus, im Fortschreiten des Bildes, seine tanzenden Protagonisten herauskristallisieren.In seiner jüngsten Werkserie „Couples" rückt Stephens den Tanz zu zweit in den Fokus: Führen und Geführtwerden, Dominanz und Hingabe, ein Austausch von Emotion und Spannung, festgehalten in dynamischen, schwebenden oder rotierenden Körpern. Bewegung, Rhythmus und körperlicher Ausdruck werden bei ihm zu einer gestischen, pulsierenden Bildsprache voller Intensität und Leben.Stephens' Werke waren zuletzt in einer großen Einzelausstellung im Museum Bietigheim-Bissingen sowie im Espace Saint-Pierre des Minimes, einer zum Museum umgebauten Kirche in Compiègne, zu sehen; weitere Arbeiten hängen im Olympic Museum in Lausanne.

Was, wenn der Mensch mit seinen Maschinen nur schlecht kopiert, was die Natur längst perfektioniert hat? Der französische Künstler ARDIF (Paris) macht genau diese Frage zum Zentrum seines Werks. Seine „Mechanimals" – Tiere, deren Körper zur einen Hälfte naturalistisch, zur anderen Hälfte in verschachtelte mechanische Architektur transformiert ist – stellen Fauna und Maschine so exakt gegenüber, dass ein visueller Kurzschluss entsteht: Wo hört das Original auf, wo beginnt die Kopie? Die Gegenüberstellung erzeugt eine feine Spannung, die zu genauem Hinsehen einlädt. ARDIFs These dahinter: Ingenieure und Konstrukteure leihen sich ihre besten Ideen seit jeher bei der Natur – und liefern doch nur limitierte Nachbildungen, die an Präzision, Komplexität und Effizienz der Originale nie heranreichen. Die Natur bleibt Ideengeberin, der Mensch bloß Plagiator. Aus dieser Beobachtung entwickelt ARDIF ein Bildvokabular, das Bewunderung für Technik und Sorge um ihre Folgen zugleich transportiert – die Bedrohung der Natur durch menschlichen Fortschritt, die brüchige Balance zwischen Innovation und Respekt vor der Umwelt. Dabei wirken seine Kreationen oft dystopisch – Wesen wie Relikte einer gescheiterten Zukunft. Doch die Anleihen bei alter Architektur und Steampunk-Ästhetik brechen diese Schwere auf und verschieben den Ton ins Nostalgisch-Romantische: Nietwerk statt Chip, Messing statt Plastik, Zahnrad statt Platine. Diese Liebe zur sichtbaren, fast liebevoll überkomplizierten Mechanik verbindet ARDIF mit dem Schweizer Bildhauer Jean Tinguely, dessen kinetische Schrott-Maschinen ihn zu seiner eigenen, verspielt-morbiden Maschinenwelt inspiriert haben. Bevor er zur Kunst kam, studierte ARDIF Mathematik, brach ab und fand über ein Kunst-Vorbereitungsjahr zur Architektur – eine Ausbildung, die seiner Bildsprache bis heute technische Präzision und konstruktives Raumdenken mitgibt. Nach dem Studium gründete er mit dem Kollektiv Concrete Balloons Projekte in verlassenen Industrieanlagen und Fabrikruinen, darunter die immersive Ausstellung „Imachinarium". Seit rund 2016 sind seine halb-mechanischen Tiere als großformatige Paste-ups im Pariser Stadtbild präsent und mittlerweile in zahlreichen europäischen Städten zu finden – auch in Düsseldorf hat ARDIF mit einer Serie von Interventionen im öffentlichen Raum Spuren hinterlassen. Zeigte ARDIF lange vor allem Kompositionen aus der Fauna, hält inzwischen auch die Flora Einzug in sein Werk: neue Zeichnungen, Illustrationen und Installationen erweitern sein mechanisch-organisches Universum um Pflanzen – konsequent weitergedacht, mit demselben feinen Strich und derselben konzeptionellen Schärfe.

„Les Enfants Terribles" nennt sich L.E.T. – dabei zählt der Franzose längst zu den Urgesteinen der deutschen Street-Art-Szene. Seit 1992 ist er auf der Straße aktiv und hat mit seinen Arbeiten das Bild gleich mehrerer Städte mitgeprägt, allen voran das seiner Wahlheimat Düsseldorf. Seine Motive sprüht er zunächst auf Papier, um sie anschließend als „Cutouts" im Stadtraum zu plakatieren – hochkontrastige Schwarz-Weiß-Figuren, die er gezielt mit Farbakzenten durchbricht.L.E.T.s Arbeitsweise lässt sich als ständiges Zitieren, Dekonstruieren und Neu-Zusammensetzen von Bekanntem beschreiben. Augenzwinkernd nimmt er Themen unserer Zeit aufs Korn und führt seinen Diskurs mit der Konsum- und Spaßgesellschaft. Dass er dabei auch ernstere Töne anschlagen kann, zeigte er mit seiner Installation „How Is This Happening!?": Aus auf Lesbos gesammelten Rettungswesten geflüchteter Menschen ließ er Leichensäcke nähen – ein eindringliches Bild für die Verwandlung von Hoffnung in Trauer an den Toren der „Festung Europa".Sein konsequenter künstlerischer Werdegang – geprägt von weltweiten Urban-Art-Conventions – führte L.E.T. auch in die Galerie: Für diese Arbeiten weicht er auf galerietaugliche Medien wie Leinwand, Pappe und Holz aus, ohne dabei seinen unverkennbaren Stil zu verwässern. Das Urban Art Museum München (MUCA) widmete ihm einen eigenen Raum, er war Teil von Urban Nation in Berlin, und mit „No Walls for Old Men" zeigte er seine erste Soloshow bei Pretty Portal in Düsseldorf – ein Titel, der weniger wörtlich als programmatisch zu verstehen ist: Als einer der dienstältesten Stencil-Künstler Deutschlands hat L.E.T. um Wände wahrlich nicht zu fürchten.

Roman Kloneks Familie kommt in den 1970er-Jahren aus dem polnischen Teil Oberschlesiens in die Bundesrepublik; er selbst wächst in Hannover auf. Von 1993 bis 1999 studiert er Visuelle Kommunikation mit Schwerpunkt Druckgrafik an der Fachhochschule Düsseldorf, ergänzt durch ein Stipendium für Holzdruck an der Kunstakademie Trier. Bereits während des Studiums gründet er mit Freunden die Künstlergruppe „Tapezisten" sowie das Grafik-Fanzine „Herrensahne", gemeinsam mit Tobi Dahmen und Leo Leowald.Klonek zählt heute zu den international bekannten Vertretern der zeitgenössischen Druckgrafik in Deutschland. Seine Motive sind mehrfarbige Holzschnitte, gedruckt im Verfahren des „verlorenen Schnitts": Der Druckstock wird dabei mit jeder Farbe weiter beschnitten und kann nur ein einziges Mal verwendet werden – jede Auflage bleibt so auf wenige, meist bis zu zehn Exemplare begrenzt. Rund zwanzig neue Motive entstehen auf diese Weise pro Jahr, jedes eigenhändig gedruckt.In seinen Bildwelten begegnen sich skurrile Kreaturen und Metamorphosen aus Mensch und Tier in einer poppig-surrealen, oft absurd anmutenden Szenerie. Typografische Elemente aus kyrillischen und asiatischen Schriftzeichen setzen markante Akzente. Klonek gelingt damit ein gekonnter Spagat zwischen Propaganda-Ästhetik, Folklore und Pop – genährt von polnischen, russischen und tschechischen Trickfilmen der 1970er-Jahre ebenso wie von Vorbildern wie Frank Kozik, Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Raymond Pettibon, Gary Baseman und Zdeněk Miler.Von 2001 bis 2008 ist Klonek Mitorganisator der Düsseldorfer „Galerie Revolver", mehrfach ist er zudem beim Festival für Charakterdesign „Pictoplasma" vertreten und gibt regelmäßig Holzschnitt-Workshops an Grafikhochschulen. Seine Auftragszeichnungen erscheinen unter anderem in WIRED, der New York Times und dem San Francisco Chronicle. Ausgestellt wird sein Werk in Deutschland und zunehmend international, zuletzt in Oslo, London und São Paulo. Roman Klonek lebt und arbeitet in Düsseldorf.